5일 만에 끝내는 클래식 음악사

클래식 음악의 실질적인 이해를 돕는 서양음악 역사서!
이 책은 클래식 음악의 실질적인 이해를 돕고자 쓴 서양음악 역사서다. 역사서임은 분명하지만 결코 부담스럽지 않고, 읽기 쉽게 구성되어 있다. 총 5장으로 이루어져 있으며, 시대별로 ‘고대에서 중세’ ‘르네상스’ ‘바로크’ ‘고전’ ‘낭만에서 현대’로 구성되었다. 1장 ‘하나의 선율로부터, 고대에서 중세’에서는 왜 ‘클래식 음악’이라 부르는지, 어떻게 탄생되었는지, 악보는 언제부터 만들어졌는지와 중세의 위대한 작곡가 기욤 드 마쇼 등에 대한 내용을 다룬다. 클래식 음악에 대한 기본적인 개념 정립과 함께 고대에서 중세시대의 음악사까지 종합적으로 설명한다. 2장 ‘혼돈에서 탄생한 음악, 르네상스’에서는 고대로의 부활을 꿈꾼 르네상스 시대의 이야기들을 다룬다. 돌림노래의 탄생배경, 르네상스 시대의 대표적 작곡가들, 새로운 길을 연 신교의 음악과 정도의 길을 걸었던 구교의 음악을 소개하고 기악음악의 도약 등을 언급한다.
3장 ‘이탈리아의 놀라운 아이디어, 바로크’에서는 바로크 시대 음악에 대해 다룬다. 바로크 시대의 핵심은 기악음악의 발전이다. 오페라의 탄생과 이에 사용된 다양한 음악기법들은 바로크 시대의 전반에 걸쳐 두드러진 양상을 보였으며, 기악이 주축을 이루며 음악의 역사가 전개되었다. 4장 ‘클래식 음악의 교과서, 고전’에서는 클래식 음악 역사의 가장 굵은 터닝포인트인 고전시대 음악에 대해 다룬다. 이 시대의 역점은 음악의 ‘단순 명료함’이다. 하이든, 모차르트, 베토벤 등 대중에게 가장 널리 알려진 음악가들의 이야기도 소개한다. 5장 ‘골라듣는 재미, 낭만에서 현대로’에서는 19세기 낭만주의 음악과 그 이후인 19세기 말 음악, 걷잡을 수 없는 20세기의 음악에 대해 다룬다. 변화를 거듭해온 음악의 역사는 점점 새로운 음악적 한계에 봉착한다. 이 책을 덮고 나면 오늘 길가에서 들리는 클래식 음악이 더욱 새롭고 흥미롭게 느껴질 것이다.

[책속으로 이어서]
르네상스 음악의 특징을 전하기 이전에 먼저 세계적인 ‘아카펠라(a cappella)’ 그룹의 음악을 들어볼 것을 권하고 싶다. 아카펠라는 반주 없이 부르는 노래다. 즉 무반주로 악기 하나 없이 2명 이상이 부르는 합창곡이다. 완벽에 가까운 아카펠라를 들어보면 왠지 악기를 사용한 듯한 환청이 들려올 정도로 귀를 의심할 수밖에 없는 환상적인 사운드가 펼쳐진다. 아카펠라의 본래 의미는 라틴어로 ‘교회에서 혹은 합창으로’란 뜻으로 이 기법이 제대로 발휘된 때는 르네상스 시대다. 합창기법은 이처럼 반주 없이 노래를 부르다 점차 세속적 요인들에 의해 기악의 참여가 이루어져 발전해갔다. 기독교 신자들이나 아마추어 아카펠라 그룹 혹은 아마추어 합창단에서 활동하는 이들이라면 합창에 혼성4성부가 기본이라는 것을 알게 된다. 이러한 전통적 합창방식은 르네상스 시대에 만들어진 것이다. 당시 교회에서는 여자 성악가가 아니라 소년 합창단으로 이루어졌다. _ pp.89~90

죠스껭의 공적은 오케겜에서 오브레흐트로 이어지는 모방기법의 미숙함을 체계적으로 완성시킨 데 있다. 그의 그러한 최고의 장르로는 단연 95개의 모테트다. 모테트의 세속성이 이미 죠스껭 시대에 와서는 가시화가 어느 정도 진행되었던 터라 미사곡과는 달리 죠스껭은 그 어떤 제약 없이 모테트에 음악적 아이디어를 자유롭게 적용시켰다. 그야말로 대담하게 모테트를 작곡했던 것이다. 모테트 성부의 범위도 통상 4성부에서 5~6성부로 넓혀 감정 표현에 대한 섬세함을 고려하기도 했다. 그리고 세속음악의 범주인 샹송의 작곡에서도 모방기법에 대한 확실한 입장을 보여주었다. 역시 모방과 반복이 특징인 카논으로 샹송에 녹아냈는데, 특히 3성부가 아닌 더욱 커진 그의 5성부 샹송 <돈이 없으면(Faulte d’argent)>이란 작품은 프랑스 샹송의 탁월한 모방기법을 보여주는 르네상스 음악의 전형이라 볼 수 있다. 죠스껭의 활약으로 네덜란드 악파의 약진은 더욱 두드러졌다. _ pp.102~103

바로크 전반의 음악 장르에 대비 효과가 반영되지 않았다고 한다면 그것은 바로크 음악이 아닌 것이다. 대비적 표현은 성악에서 우선적으로 사용되다가 기악에 응용되면서 더욱 가속화되었다. 필자는 르네상스 시대부터 이어져온 놀랄 만한 기악의 성과에 대해 악기가 성악의 다성음악을 돕는 것만으로 그치지 않고 독자적인기악음악의 영역을 구축시켰음을 앞에서 밝힌 바 있다. 이처럼 향상된 악기의 기능은 바로크 시대에서 성악의 대비적 효과를 뛰어넘는 놀랄만한 음악적 성과를 거두게 된다. 결국 이것이 바로크 음악을 규정짓는 원동력이었으며, 다른 면으로는 성악의 독주를 가로막아선 결정적 요인으로 작용했다. 바로크 시대의 중요한 음악적 속성은 성악을 압도할 만큼 대등한 위치에 올라선 기악의 면모라 할 수 있다. 이제 성악이 기악보다 중요하게 취급되지 않았다. 오히려 기악음악의 눈부신 활약으로 바로크 음악이 수혜를 입었을 정도니 ‘기악음악의 시대’가 왔다고 해도 과언이 아닐 것이다. _ p.145

바로크의 음악은 크게 2가지 양식으로 나눠서 생각해야 한다. 과거의 르네상스 음악인 ‘구양식(stile antico)’과 새로운 바로크 음악인 ‘신양식(stile moderno)’으로 구분할 수 있다. 결론적으로 바로크 시대의 음악은 이전의 르네상스 음악을 버린 것이 아니라 함께 끌고 간 것이다. 르네상스와 바로크를 잇는 과도기적 이탈리아 작곡가인 클라우디오 몬테베르디(Claudio Monteverdi, 1567~1643)의 세속음악 마드리갈에는 르네상스에서 바로크까지의 변화과정이 잘 드러나 있다. 그의 몇 개의 마드리갈은 악기반주를 동반한 독주곡이거나 2중주곡으로서 명확하게 바로크적 양상을 띠고 있다. 그의 후기 마드리갈을 보면 기존의 총 5개의 성악성부에서 1~2개 정도의 성부 수를 줄이고 대신 기악성부를 대체시켜 놓았는데, 이 기악성부의 악기들은 고음이 아닌 저음의 소리를 내는 악기들로 배치해 성악성부들이 돋보이도록 했다. 그러다보니 성부가 적은 일부 마드리갈에서는 성악과 기악 파트의 구분이 극명히 갈리게 된다. _ p.151

오페라를 논함에 있어 최초의 오페라로는 <다프네>와 <에우리디체>를 꼽게 되고, 그 다음이 오페라 역사에서 가장 중요한 초기 오페라 작곡가인 몬테베르디를 거론해야 할 것이다. 이탈리아 크레모나 출신의 몬테베르디는 르네상스와 바로크를 잇는 혁신적인 작곡가이자 세속음악인 마드리갈의 대가이기도 하지만 본격적인 오페라의 출범과 동시에 나온 그의 작품으로 단숨에 스타 오페라 작곡가의 명성도 갖게 되었다. 몬테베르디의 첫 번째 오페라 작품인 <오르페오(Orfeo)>(1607)가 그것이다. <오프페오>는 오프페우스를 말하는 오페라의 제목으로 페리의 <에우리디체>와 동일한 사랑 이야기가 주요 내용이나 비극적으로 마무리된다. 그의 오페라는 초기 오페라의 전형적인 형태를 갖추고 있으며, 길지는 않지만 처음 시작된 오페라들보다 극적으로 또는 음악적으로 복잡한 양상을 띠고 있다. 특히 모노디 양식의 독창선율이 다양해졌음을 주목해볼 수 있고, 음악보다 가사를 더 예민하게 다루었다는 점에서 풍부한 표현력을 엿볼 수 있다. _ pp.193~194

1750년을 지나가면 유럽의 여러 지역을 통해 오케스트라의 규모와 교향곡의 변화가 속도를 내게 된다. 그 가운데 만하임, 비엔나, 베를린 등이 교향악법(orchestration) 발전에 선두주자로 나서며 3악장 구조에 미뉴에트를 더한 4악장 교향곡의 일반화를 굳혀나갔다. 이때 독일의 바이올리니스트 겸 지휘자인 요한 슈타미츠(Johann Stamitz, 1717~1757)가 이끄는 만하임 궁정 악단의 연주는 4악장 구조의 완전체 교향곡으로 셈여림(dynamic)의 획기적인 효과를 자아내며 강한 인상을 심어주었다. 바로 ‘점점 세게’를 표현하는 ‘크레셴도(crescendo)’라는 기법이다. 오케스트라 사운드를 효과적으로 증가시키면서 반대의 표현인 ‘점점 여리게’의 ‘데크레셴도(decrescendo)’를 같이 구사하는 소리의 대비를 선보인 것이다. 슈타미츠가 작곡한 <8성부 신포니아>, 일명 ‘독일 선율(la melodia germanica)’이라 하는 4악장의 이 교향곡은 크레셴도의 활용을 잘 구사하고 있다. _ p.252

바겐자일과 몬이 고전의 터전을 마련하고 이후 오스트리아의 음악계보를 이을 거물이 등장하며 완벽하게 고전의 틀을 갖추기에 이른다. 그가 바로 프란츠 요제프 하이든(Franz Joseph Haydn,1732~1809)이다. 하이든이야말로 고전의 논리를 제대로 이해했던 비엔나 고전의 적임자이자 오스트리아 음악을 이어갈 적통이었다. 처음 하이든은 뜻밖의 재능으로 음악과 만났다. 어릴 적 그는 목소리가 좋았던 탓에 성악가가 될 뻔했다. 그것도 거세된 성악가로 말이다. 결과적으로 하이든 아버지의 만류로 작곡가의 길을 걷게 된 점은 무척 다행스러운 일이 아닐 수 없다. 하이든이 작곡가로 대성할 수 있었던 계기는 1761년 오스트리아 아이젠슈타트(Eisenstadt)에 거점을 둔 헝가리 귀족 에스테르하지 가문(Esterh?zy family)의 궁에서 부 음악감독으로 활동하면서부터다. 28년간 가문의 막대한 후원을 받았던 하이든은 엄청난 양의 음악을 만들어야만 했다. 당연히 보수는 두둑했다. 18세기의 사회는 음악가라고 남다른 대우가 있었던 것은 아니었다. 하급 계
층보다 더 나을 것이 없었다. 그럼에도 그는 당시 보통의 음악가들이 넘볼 수 없었던 상상 이상의 혜택과 경제적 풍요를 누렸다. 에스테르하지 가문이 하이든을 오랫동안 두고 아꼈던 것은 높은 예술적 수준으로 자신들의 지적욕구를 충족시켜 주었을 뿐만 아니라 그가 만든 최신 음악들에 대한 만족도가 컸기 때문이다. _ pp.2